Maya 2. Animacja postaci Nathan Vogel, Sherri Sheridan, Tim Coleman

Dostępność produktu

Produkt nie został jeszcze oceniony pod kątem ułatwień dostępu lub nie podano żadnych informacji o ułatwieniach dostępu lub są one niewystarczające. Prawdopodobnie Wydawca/Dostawca jeszcze nie umożliwił dokonania walidacji produktu lub nie przekazał odpowiednich informacji na temat jego dostępności.

Spis treści książki

Wprowadzenie (17)


Część I Przygotowania do trójwymiarowej animacji (23)


Rozdział 1. Zbieranie pomysłów na animację (25)


• 1.1. Rola dobrego zaplanowania pracy (25)
  
• 1.2. Jak stać się lepszym animatorem? (27)
  
  • 1.2.1. Szkicowanie (27)
  • 1.2.2. Tradycyjna kinematografia i tworzenie filmów (28)
  • 1.2.3. Animacja dwuwymiarowa (29)
  • 1.2.4. Projektowanie grafiki, typografia i geometria (29)
  • 1.2.5. Aktorstwo (31)
  • 1.2.6. Pisanie scenariuszy (32)
  • 1.2.7. Sztuki piękne i performance (32)
  • 1.2.8. Fotografia (32)
• 1.3. Rozpoczynanie pracy nad fabułą (32)
  
  • 1.3.1. Sprawa najważniejsza (33)
  • 1.3.2. Formułowanie podstawowych założeń fabuły (33)
  • 1.3.3. Znajdowanie pomysłów na animację (34)
  • 1.3.4. Technika burzy mózgów (38)
• 1.4. Określanie przesłania fabuły (44)
  
  • 1.4.1. Tworzenie przesłania za pomocą tabeli powstałej po burzy mózgów (45)
  • 1.4.2. Tworzenie tabeli dla konkretnych tematów (46)
• 1.5. Wykorzystanie struktury trzech aktów (47)
  
  • 1.5.1. Definiowanie struktury trzech aktów (47)
  • 1.5.2. Przykłady struktury trzech aktów (49)
  • 1.5.3. Kiedy wykorzystać strukturę trzech aktów? (51)
  • 1.5.4. Zastosowanie struktury trzech aktów dla własnych projektów (51)
• 1.6. Tworzenie jednostronicowego podsumowania fabuły (52)
  
• 1.7. Tworzenie wstępnych rysunków przeglądowych (55)
  
• 1.8. Kwestionariusz oceny pomysłów (56)
  
• 1.9. Unikanie często spotykanych pułapek związanych z fabułami animacji (60)
  
  • 1.9.1. Liniowość zdarzeń (60)
  • 1.9.2. Stawianie fikcyjnych postaci i zwierząt w konfrontacji z ludzkim światem i sytuacjami (60)
  • 1.9.3. Niewłaściwe użycie trzech wymiarów (61)
  • 1.9.4. Sceny przedstawiające sen lub wspomnienia (62)
  • 1.9.5. Problem zapowiedzi filmowej (62)
  • 1.9.6. Unikanie dialogów (62)
• 1.10. Podsumowanie (63)

Rozdział 2. Projektowanie bohaterów (65)


• 2.1. Wybór typu postaci (65)
  
  • 2.1.1. Rozpocznij od wstępnego szkicu (67)
  • 2.1.2. Tworzenie ostatecznych szkiców (69)
  • 2.1.3. Posługiwanie się tematami przewodnimi (69)
• 2.2. Wypełnianie postaci treścią (77)
  
  • 2.2.1. Tworzenie więzi między bohaterem a widzami (77)
  • 2.2.2. Przeszłość twojego bohatera (83)
  • 2.2.3. Łączenie trójwymiarowej postaci z głosem aktora (86)
  • 2.2.4. Projektowanie postaci w oparciu o aktorów (88)
• 2.3. Akcentowanie postaci na scenie (89)
  
  • 2.3.1. Przyglądaj się manierom aktorskim (90)
  • 2.3.2. Zastanów się nad anatomią (90)
  • 2.3.3. Samodzielnie odegraj swoją animację (90)
• 2.4. Dodawanie ubioru i akcesoriów (91)
  
• 2.5. Szkicowanie głównego bohatera (95)
  
  • 2.5.1. Przygotuj kilka wersji (95)
  • 2.5.2. Wybierz paletę kolorów (95)
  • 2.5.3. Rozpocznij selekcję (95)
  • 2.5.4. Zdobądź opinie innych (95)
• 2.6. Szkicowanie pozostałych postaci (95)
  
  • 2.6.1. Oprzyj się na czterech podstawowych typach (96)
  • 2.6.2. Unikaj stereotypów (98)
  • 2.6.3. Pamiętaj o kontraście i konfliktach (98)
  • 2.6.4. Postaraj się o szczegółowe komentarze (98)
• 2.7. Podsumowanie (99)

Rozdział 3. Tworzenie scenariusza (101)


• 3.1. Projekt scenografii (101)
  
  • 3.1.1. Przyglądaj się dziełom mistrzów (102)
  • 3.1.2. Wykorzystaj własną wyobraźnię (103)
  • 3.1.3. Umieść w tle powtarzające się animacje (104)
  • 3.1.4. Zasoby pomysłów na trójwymiarowe scenografie (104)
  • 3.1.5. Kwestionariusz projektowania scenografii (104)
• 3.2. Przygotowywanie produkcji (106)
  
  • 3.2.1. Rozważania dotyczące czasu (106)
  • 3.2.2. Technika filmowa (110)
  • 3.2.3. Przygotowywanie scenopisu obrazkowego (112)
  • 3.2.4. Światła (116)
  • 3.2.5. Kamera (116)
  • 3.2.6. Interesujący rytm (122)
  • 3.2.7. Kolory w twojej trójwymiarowej animacji (125)
  • 3.2.8. Dźwięk (129)
• 3.3. Zasady dobrej animacji (129)
  
• 3.4. Zbieranie informacji zwrotnych o scenariuszu (132)
  
• 3.5. Animatik (137)
  
  • 3.5.1. Dwuwymiarowy animatik w wersji podstawowej (137)
  • 3.5.2. Ruchomy, dwuwymiarowy animatik (137)
  • 3.5.3. Ruchomy, trójwymiarowy animatik (137)
  • 3.5.4. Ostateczna wersja animatiku (138)
• 3.6. Podsumowanie (138)

Część II Tworzenie podstawowych postaci (139)


Rozdział 4. Modelowanie ręki człowieka za pomocą powierzchni NURBS (141)


• 4.1. Modelowanie człowieka (142)
  
  • 4.1.1. Dłoń (142)
  • 4.1.2. Dodawanie szczegółów do palca (146)
  • 4.1.3. Budowanie kciuka (157)
  • 4.1.4. Tworzenie pozostałej części dłoni za pomocą pięciu płaszczyzn (157)
  • 4.1.5. Sklejanie obiektów (163)
  • 4.1.6. Edycja przy zachowanej lub usuniętej historii konstrukcji obiektu (167)
  • 4.1.7. Edytowanie modelu dłoni (168)
  • 4.1.8. Tworzenie dodatkowych detali (171)
  • 4.1.9. Dalsze modelowanie (172)
  • 4.1.10. Animacja obrotu dookoła obiektu (173)
  • 4.1.11. Łączenie wszystkich elementów w jedną całość (176)
• 4.2. Integracja całości i przygotowanie dłoni do animacji (178)
  
  • 4.2.1. Tworzenie wycięć na palce i kciuk (180)
  • 4.2.2. Tworzenie płynnego połączenia (181)
• 4.3. Poprawianie rezultatów (183)
  
• 4.4. Końcowe poprawki (184)
  
• 4.5. Tworzenie modelu o obniżonej rozdzielczości (185)
  
  • 4.5.1. Przygotowanie sceny do animacji (187)
  • 4.5.2. Łączenie modelu ręki ze szkieletem (188)

Rozdział 5. Modelowanie człowieka za pomocą powierzchni NURBS (193)


• 5.1. Lanker (193)
  
  • 5.1.1. Tworzenie korpusu i głowy w oparciu o pojedynczą kulę (193)
  • 5.1.2. Dodawanie szczegółów do modelu głowy (203)
  • 5.1.3. Modelowanie nóg w oparciu o bryły walców (215)
  • 5.1.4. Tworzenie rąk razem z dłońmi (220)
  • 5.1.5. Łączenie kończyn z tułowiem za pomocą narzędzi Fillet Blend i Freeform Fillet (224)

Rozdział 6. Modelowanie smoka za pomocą powierzchni NURBS (227)


• 6.1. Kreowanie zarysu ciała (228)
  
  • 6.1.1. Formowanie ciała (228)
  • 6.1.2. Formowanie szyi (230)
  • 6.1.3. Kształtowanie ogona (232)
  • 6.1.4. Modelowanie tułowia (233)
  • 6.1.5. Symetryczne modelowanie szczegółów mięśni (234)
• 6.2. Konstruowanie skrzydeł (236)
  
  • 6.2.1. Tworzenie kości i mięśni (236)
  • 6.2.2. Tworzenie skórzanej błony na skrzydłach (241)
• 6.3. Modelowanie przednich kończyn i palców (248)
  
  • 6.3.1. Rzeźbienie przednich kończyn (248)
  • 6.3.2. Rzeźbienie ręki (250)
  • 6.3.3. Tworzenie kciuka i małego palca (251)
• 6.4. Formowanie głowy (252)
  
  • 6.4.1. Edytowanie głowy (254)
• 6.5. Rzeźbienie kolców na ogonie (260)
  
  • 6.5.1. Formowanie pozostałych kolców (261)
• 6.6. Budowanie tylnych kończyn, palców i kolców (262)
  
  • 6.6.1. Rozmieszczanie segmentów (262)
  • 6.6.2. Dodawanie szczegółów do nogi (263)
• 6.7. Dodawanie szczegółów do tułowia (265)
  
• 6.7. Płynne połączenie wszystkich elementów postaci (266)
  
  • 6.7.1. Palce i nogi (266)
  • 6.7.2. Rogi i kolce (267)

Rozdział 7. Mapowanie realistycznie wyglądających postaci w oparciu o powierzchnie NURBS (269)


• 7.1. Wprowadzenie do teksturowania (269)
  
  • 7.1.1. Tekstury a sieci szaderów (270)
• 7.2. Mapowanie za pomocą rzutowania i w oparciu o współrzędne (274)
  
  • 7.2.1. Rzutowanie materiałów (274)
  • 7.2.2. Mapowanie z użyciem współrzędnych (275)
  • 7.2.3. Metoda hybrydowa (276)
• 7.3. Mapowanie tekstur na organiczne postacie za pomocą rzutowania (277)
  
  • 7.3.1. Konwersja rzutowanej tekstury za pomocą narzędzia Convert Solid Texture (278)
• 7.4. Tworzenie i korzystanie z obiektu referencyjnego (284)
  
• 7.5. Przygotowywanie tekstur do rzutowania w Photoshopie (290)
  
  • 7.5.1. Rozdzielczość ekranu a rozdzielczość tekstury (290)
  • 7.5.2. Kolejność mapowania oraz dzielenie powierzchni na regiony (295)
  • 7.5.3. Określanie idealnego położenia postaci (295)
  • 7.5.4. Mapy zniekształceń kontra mapy nierówności (295)
  • 7.5.5. Szadery warstwowe kontra warstwowe tekstury (296)
• 7.6. Zaawansowane metody teksturowania (299)
  
  • 7.6.1. Uzyskiwanie odpowiedniego poziomu realizmu za pomocą mapowania wielu kanałów jednocześnie (299)
  • 7.6.2. Zwiększanie naturalności powierzchni poprzez dodanie realistycznych szczegółów (299)
  • 7.6.3. Jak sprawić, aby obiekt wyglądał starzej? Porady Alexa Lindsay'a (300)
• 7.7. Specjalizowane programy do nakładania tekstur (301)
  
  • 7.7.1. Studio Paint (301)
  • 7.7.2. Amazon Paint (302)
  • 7.7.3. Mesh Paint (303)
  • 7.7.4. Detailer (303)
  • 7.7.5. SurfaceSuite Pro (303)
  • 7.8. Ćwiczenia z teksturowania (304)
  • 7.8.1. Wąż potwór (306)
  • 7.8.2. Ważka (310)
  • 7.8.3. Dinozaur (317)
  • 7.8.4. Smok (320)
  • 7.8.5. Ludzka głowa - technika skanowania teksturami opracowana przez Tadao (autor Tado M.) (322)
• 7.9. Dodatkowe wskazówki na temat korzystania z tekstur (335)
  
  • 7.9.6. Jak wykorzystać węzeł Switch? (336)
  • 7.9.8. Wykorzystanie węzłów Stencil razem z rzutowanymi teksturami jako składniki szaderów warstwowych (339)
• 7.10. Wykorzystanie Photoshopa do tworzenia tekstur dla organicznych postaci opartych o powierzchnie NURBS (341)
  
  • 7.10.1. Przygotowanie ortogonalnych profili oraz malowanie tekstur (341)
  • 7.10.2. Tworzenie własnych bibliotek pędzli (341)
  • 7.10.3. Tworzenie powtarzalnych tekstur (343)
  • 7.10.4. Usuwanie efektu "bieguna" (345)
• 7.11. Rozmieszczanie tekstur metody planowania (349)
  
  • 7.11.1. Wykorzystanie współrzędnych (349)
  • 7.11.2. Planowanie rozmieszczania tekstur (349)
• 7.12. Podsumowanie (350)

Rozdział 8. Cyfrowe oświetlenie w Mai (351)


• 8.1. Rozmyślania o świetle (351)
  
  • 8.1.1. Podstawowe składniki oświetlenia dostępne w Mai (352)
• 8.2. Funkcje oświetlenia (355)
  
  • 8.2.1. Światło przednie (355)
  • 8.2.2. Światło boczne (356)
  • 8.2.3. Światło tylne (356)
  • 8.2.4. Światło wypełniające (357)
  • 8.2.5. Dodatkowe źródła światła (358)
  • 8.2.6. Światła efektowe (359)
  • 8.2.7. Światła odbite (359)
• 8.3. Różne podejścia do oświetlenia (360)
  
  • 8.3.1. Oświetlenie oparte o realia (361)
  • 8.3.2. Oświetlenie oparte o światło kluczowe i wypełniające (361)
  • 8.3.3. Oświetlenie trójpunktowe (362)
• 8.4. Praktyczne porady dotyczące oświetlenia (364)
  
  • 8.4.1. Pamiętaj o pomysłach reżysera (364)
  • 8.4.2. Wykorzystaj tekstury do nadania głębi i kształtu (364)
  • 8.4.3. Nie przyciągaj uwagi na siłę (365)
  • 8.4.4. Nie odkrywaj koła na nowo (365)
  • 8.4.5. Przerwij ciągłość ujęć (365)
  • 8.4.6. Czasami mniej znaczy więcej (366)
• 8.5. Dopasowywanie obrazu komputerowego do materiału filmowego (366)
  
• 8.6. Oświetlenie, rendering i kompozycja (367)
  
  • 8.6.1. Nakładanie obrazów w oparciu o addytywne mieszanie kolorów (368)
• 8.7. Szybki podgląd oświetlenia w Mai (369)

Część III Animowanie postaci w Mai (375)


Rozdział 9. Przygotowanie postaci do animacji (377)


• 9.1. Koncepcja i terminologia (379)
  
  • 9.1.1. Hierarchie (379)
  • 9.1.2. Kości i przeguby (381)
  • 9.1.3. Kinematyka (381)
  • 9.1.4. Odwrotna kinematyka (382)
  • 9.1.5. Rodzaje komputerowych postaci (384)
  • 9.1.6. Pozycja neutralna - dobry początek (384)
• 9.2. Przypisywanie obiektów do szkieletu (386)
  
• 9.3. Przygotowywanie szkieletu dla dwunożnej postaci (392)
  
  • 9.3.1. Przypisywanie nogom odwrotnej kinematyki w trybie Single Chain (400)
  • 9.3.2. Tworzenie dodatkowego atrybutu (403)
  • 9.3.3. Łączenie atrybutu roll za pomocą narzędzia Set Driven Key (404)
  • 9.3.4. Modyfikowanie połączeń stworzonych narzędziem Set Driven Key (409)
  • 9.3.5. Dodawanie uchwytu selekcji do przegubu backRoot (411)
  • 9.3.6. Wykorzystanie odwrotnej kinematyki w trybie Rotate Plane (RP) (412)
  • 9.3.7. Tworzenie przegubów dla rąk (413)
  • 9.3.8. Łączenie geometrii postaci ze szkieletem (417)
  • 9.3.9. Wykorzystanie fleksorów (421)
  • 9.3.10. Metoda pośrednia: łączenie kratownicy z przegubami (424)
  • 9.3.11. Wykorzystanie fleksorów przy deformacji przegubów (437)
  • 9.3.12. Wykorzystanie narzędzia Blend Shape do tworzenia własnych deformacji (439)
  • 9.3.13. Scentralizowana kontrola podstaci (446)
• 9.4. Animacja modelu węża za pomocą narzędzia IK Spline Handle Tool (451)

Rozdział 10. Animacja za pomocą ujęć kluczowych (457)


• 10.1. Metody animowania trójwymiarowych postaci (458)
  
  • 10.1.1. Animacja kolejnych póz (458)
  • 10.1.2. Rotoskoping (462)
  • 10.1.3. Wykorzystanie warstw (466)
  • 10.1.4. Przechwytywanie ruchu (479)
• 10.2. Optymalizowanie środowiska pracy podczas tworzenia animacji (481)
  
  • 10.2.1. Opcja Fast Interaction (482)
  • 10.2.2. Opcja NURBS Smoothness (482)
  • 10.2.3. Widoczność (483)
  • 10.2.4. Modele o obniżonej rozdzielczości (484)
• 10.3. Interakcja postaci z otoczeniem (485)
  
  • 10.3.1. Skrypt MEL pozwalający na tworzenie ujęć kluczowych (489)
• 10.4. Modyfikowanie rozkładu czasowego i zmiany wartości parametrów podczas animacji (489)
  
  • 10.4.1. Dopasowywanie rozkładu czasowego animacji za pomocą okna Dope Sheet (490)

Rozdział 11. Animacja twarzy (493)


• 11.1. Modelowanie twarzy postaci z uwzględnieniem wymagań animacji (493)
  
• 11.2. Przygotowywanie głowy do animacji (496)
  
• 11.3. Kształtowanie twarzy (505)
  
  • 11.3.1. Płynna zmiana kształtu pomiędzy obiektami docelowymi (507)
  • 11.3.2. Scentralizowane sterowanie wyglądem twarzy (510)
• 11.4. Animacja a dźwięk (515)

Skorowidz (519)

pokaż cały spis treści

ukryj recenzje